Seeteufel

WHITESNAKE „Flesh & Blood“ (2019) Вообще говоря, я давно уже поставил на современном творчестве Дэвида Ковердейла жирный крест, особенно после того, как он не нашёл ничего лучше, как выпустить альбом с перепевками «пурпурного» наследия. Казалось, всё, ниже уже падать некуда. Однако новое его творение получило настолько тёплые отклики в Сети, что я решил всё же попробовать: а вдруг? И – вдруг! Первая же композиция „Good To See You Again“ задаёт такой настрой, что становится ясно: Белая Змея вернулась. Да, это такой звук, какой мы помним по альбому 1989 года (один из моих любимых дисков Whitesnake вообще и точно лучший из его «американского» периода). И это отнюдь не «последний старческий вздох» – как-то сразу чувствуется (сложно даже сказать, почему), что у Ковердейла с командой хватит этого запала на весь альбом, и старческой немощью тут не пахнет. На голосе Дэвида прожитые годы и былые излишества – а ведь ему уже без малого 70 – как будто вообще не сказались. Сравните с нынешним вокалом Гиллана и других героев прошлого. Поначалу я думал, что так лишь кажется благодаря правильно подобранным аранжировкам, тональностям – однако, нет: Дэйв спокойно вытягивает и высокие ноты, причём без визга, что ему идёт только на пользу. Велики заслуги и прославленного гитариста Реба Бича (Winger, ex-Dokken, Bee Gees, Twisted Sister, Alice Cooper и т.д.), который теперь умудряется совмещать постоянную работу в Winger и Whitesnake. Из прочих знакомых лиц – многолетний «верный оруженосец» Ковердейла, ударник Томми Олдридж, ну а остальные трое участников – хоть и не столь заслуженные деятели рок-искусств и присутствуют в группе лишь на протяжении последнего десятилетия, тоже вполне себе прижились и делают свою работу на «отлично». После первого прослушивания мне особенно запомнились более лирические, мелодичные композиции „Always & Forever“, „When I Think Of You (Color Me Blue)“, „Gonna Be Alright“, однако впоследствии удалось распробовать и боевики типа „Trouble Is Your Middle Name“, „Well I Never“, „Get Up“. Проходных номеров вообще практически нет – ну, разве что несколько дубовая заглавная вещь и слегка нудноватая „Sands of Time“ получились чуть менее удачными. Даже выложенная предварительно в Сеть „Shut Up & Kiss Me“, которая мне поначалу категорически не понравилась, в контекст альбома вписалась почти идеально. Очень достойными вышли и оба бонусных трека. Вообще, хотя от „Flesh & Blood“ за версту веет творчеством Whitesnake второй половины 80-х, нельзя сказать, что всё написано строго по лекалам альбомов 1984-1989 гг. Так, например, в уже упомянутой „Gonna Be Alright“ мне неожиданно почудились гармонии, характерные для Genesis 80-х, а полуакустическая баллада „After All“ и вовсе отдаёт Саймоном с Гарфанкелом. Ну а меланхоличный блюз „Heart Of Stone“ отсылает нас к раннему, так называемому «английскому» периоду Whitesnake. Несмотря на немаленький хронометраж альбома вместе со всеми бонусами, слушается он на одном дыхании, и тут мы явно наблюдаем не тот случай, что с Judas Priest, когда альбом – не полное дерьмо, но его на этом основании уже поспешили записать чуть ли не в шедевры. Нет, „Flesh & Blood“ – это новый, качественный альбом полноценной группы (а не просто «Ковердейл плюс неизвестно кто ещё»), причём его можно смело назвать одним из лучших в дискографии коллектива. Так что свои хвалебные отзывы он получил по праву. Есть, конечно, соблазн побрюзжать немного о том, сколько можно в пенсионном возрасте распевать «ууу, бэби!» и строить из себя сексуально одержимого мачо, но надо ли? И так ли важны тексты? Лучше уделим внимание музыке, а она нам преподнесёт не один приятный сюрприз. 7,5/10 SAMMY HAGAR & THE CIRCLE „Space Between“ (2019) Очередная супергруппа, представляющая собой вариации на тему экс-Van Halen. Как уже понятно, в составе – Сэмми Хагар, его бывший коллега по Van Halen Майкл Энтони, Джейсон «Природа Не Отдохнула» Бонэм и доселе неизвестная мне личность – чернокожий гитарист Вик Джонсон. Тоже одолевали сомнения – слушать это вообще или нет, потому что Chickenfoot мне в своё время не пошёл совсем. Музыка у новоиспечённого проекта получилась очень специфически-американская. Наверно, это уместно назвать «южным роком». Много слайд-гитары, блюзовых и кантри-влияний. Не могу сказать, что я поклонник такой стилистики, хотя, в отличие от упомянутых Chickenfoot, творчество The Circle явного отторжения не вызывает. Композиции в основном очень короткие, как и сам диск, но вот что обращает на себя внимание: такое впечатление, что альбом писался а) живьём в студии и б) в окончательный вариант пошли какие-то демо-версии, которые даже не удосужились «обработать напильником». Многие песни очень неожиданно обрываются, а „Full Circle Jam (Chump Change)“ – это, как и следует из названия, самый натуральный джем, изобилующий импровизациями. Представьте себе, что музыканты начали играть, допустим, ванхаленовскую классику „Source of Infection“ и затем перешли в вольные инструментальные гуляния на её основе. Вот так это и звучит, как и многое другое на альбоме. Самая, пожалуй, лучшая вещь – „Affirmation“ – тоже грешит внезапным срывом в fade-out и очень сильно смахивает на хит T.Rex „Get It On“, а ещё немного – на что-то из Билли Айдола. Не сомневаюсь, что свою целевую аудиторию эта пластинка найдёт, но, как и уже писал выше, „nicht so mein Ding“. Всё-таки мелодик-роковый Van Halen образца 1984-1995 гг. мне куда ближе. 5/10 FIRST SIGNAL „Line of Fire“ (2019) Даниэль Флорес, ударник (во всех смыслах этого слова) фронтирзовского музыкального цеха, вновь взял стахановский темп. Совсем недавно вышел новый (великолепный притом!) альбом его возрождённой формации Find Me, и тут же подоспел очередной диск суперпроекта First Signal. Здесь компанию Даниэлю составил вокалист Хэрри Хесс из Harem Scarem; гитарные партии исполнил ставший почти уже его неизменным компаньоном Майкл Пэлес и, что особенно интересно, на басу сыграл Йохан Ниманн (ex-Therion), с которым Флорес, насколько мне известно, не сотрудничал уже лет 10, с тех пор как распался их общий прогрессив-роковый коллектив Mind’s Eye. С такими вводными данными альбом обещал быть если не бомбой, то конфеткой. В итоге получился донельзя стандартный АОРовый продукт фронтирзовского розлива. Прямо странно, что обошлось без дель Веккьо, обычно такая посредственность выходит при его участии, и, кстати, на предыдущем альбоме он на подпевках-таки был. Не сказать, что материал настолько безнадёжно плох – нет, фоном он слушается совершенно нормально. Есть даже очень приятные песни, типа первых двух и особенно „Never Look Back“, но практически все они какие-то уж очень стандартно-типовые, как квартиры в новых панельных домах. В мелодии „А Million Miles“ слышится даже что-то чересчур сладенько-попсовое, типа Ace of Base. Балладки – ожидаемо унылые. В сравнении с той же последней работой Find Me всё выглядит явным «эконом-классом», а ведь Имена тут будут погромче. А что такое с микшированием произошло? Где были уши Флореса, у которого звук, как правило, получается безупречным? Здесь же хорошо выведены только вокал и ударные (да и те не все), а остальное задвинуто куда-то на задний план и скомкано в кашу. Такой звук, иной раз скатывающийся до уровня контрафактных кассет, продававшихся в начале 90-х в обмен на макулатуру, дополнительно портит впечатление от неплохой, в сущности, музыки. Или надо было всё-таки дель Веккьо в качестве саунд-продюсера пригласить, ведь хотя бы ручки крутить у него всегда получалось неплохо. 5,5/10 BANCO DEL MUTUO SOCCORSO „Transiberiana“ (2019) Я очень люблю Италию. Я очень люблю прогрессив-рок. Но, к своему стыду, очень плохо знаком с итальянской прог-сценой. Слышал только Moongarden, ещё что-то там, а из италоязычных – одних только Zenit, да и те швейцарцы. А вот старая итальянская гвардия – это для меня практически terra incognita. Команда Banco Del Mutuo Soccorso существует целых полвека, выпустила кучу альбомов, а некоторых участников ранних составов уже и нет в живых. Что касается свежей их работы, то она слушается довольно необычно и объединяет «под одной крышей» много всего. Традиционная певучесть итальянского языка и неизменный мелодизм, свойственный представителям этой страны, определённая доля патетики и театральности сочетаются с элементами джаза и гитарной работой в духе классических Focus. Порой до ушей долетают едва заметные фрипповские веяния, но периодически аранжировки и мелодические ходы навевают мысль о некоторой эстрадности и даже отсылают к «ост-року» – коллективам из бывших стран соцлагеря, творившим в 70-х и ранних 80-х, а также к саундтрекам итальянского кино 70-х. Альбом концептуальный и, как следует из его заглавия, посвящён путешествию по Транссибирской магистрали. Судя по названиям отдельных композиций («Нежданный гость», «Нападение волков», «Шаман» и т.п.), сюжет закручен лихо, и было бы интересно более подробно ознакомиться с содержанием текстов. Время от времени колорита добавляют звуки балалайки (подозреваю, что это всё же мандолина, если не банальный синтезатор). Довольно резко выделяется из общей канвы финальная „Oceano: Strade di sale“, сделанная в духе супертрэмповской „Child of Vision“ или чего-то такого из классического Манфреда Манна. В целом очень неплохо, хотя ближе к концу, несмотря на не очень большой по проговым меркам хронометраж всего альбома и отдельных композиций, эта музыка начинает несколько утомлять. Тем не менее, считаю нужным ознакомиться с другими альбомами группы. „Transiberiana“ добита двумя концертными бонусами, которые, пожалуй, звучат поинтереснее основного материала. „Metamorfosi“ сделана в более джазовом, точнее, джаз-роковом ключе, а вот „Il ragno“ совершенно явно отдаёт творчеством Saga с их фирменным «пружинящим» гитарным ритмом. Такая непохожесть двух отобранных для бонусов композиций ещё больше подогревает интерес к творчеству итальянцев. 7/10 CRAZY LIXX „Forever Wild“ (2019) Подобного рода альбомы каждый раз заставляют задаваться неизменным вопросом: на что рассчитывают со своим новым материалом сдувшиеся с годами мастодонты типа Бон Джови? Зачем вообще слушать новые диски этой бряцающей медалями за былые заслуги пенсионерии, если существуют Crazy Lixx и Outloud, H.E.A.T. и Midnite City? У этой молодой поросли мелодик-рока есть всё: молодость, энергия, нерастраченный запал, высочайшее исполнительское мастерство, отличный звук, способность писать цепляющие с первой ноты хитовые мелодии, у стариков же – только изрядно поистрепавшееся в штормах шоу-бизнеса имя. Crazy Lixx выпустили уже шестой студийный альбом, и, как минимум, в третий раз подряд выдают безупречный, практически эталонный мелодик-хард-рок, качественный и надёжный, как знаменитая шведская сталь. О таких альбомах трудно вообще что-то написать «в общем и в частности», поскольку придраться здесь практически не к чему. Боекомплект из 10 мощных, зажигательных композиций, где одинаково хороши как стадионные боевики, так и задорные рок-н-роллы (вроде заглавной вещи), и баллады („Love Don’t Live Here Anymore“). Возможно, есть лишь два маааааленьких повода для критики: во-первых, при всей ровности материала (а тут практически каждая песня – потенциальный хит) не достаёт какого-то одного или парочки Суперхитов, как это было, скажем, на недавних альбомах тех же Outloud или The Night Flight Orchestra. Хотя „Weekend Lover“ к такому определению приближается. Во-вторых, как и раньше, Ликсам немножко не хватает собственного лица. Вот, например, Vega – хоть они и откровенно копируют Def Leppard и много кого ещё, но безошибочно идентифицируются практически с первой ноты. Про Crazy Lixx такого сказать не могу: даже после неоднократного прослушивания запросто могу их спутать с кем-то другим. Впрочем, это мелкие придирки: альбом прекрасен. 8,5/10 DER BÖHSE WOLF „Das ist Deutschland“ (2019) Лидер немецкой правой рок-формации Weisse Wölfe Штепан Юс оказался не менее плодовитым, чем его заслуженный коллега Даниэль Гизе. Для меня, правда, остаётся загадкой, с какой целью он выпускает свои работы под разными вывесками, где неизменным остаётся слово «волк». Ведь, если я правильно помню, Штепан давно уже практически во всех этих проектах играет на всех инструментах (кроме ударных), а по музыке это всё те же Weisse Wölfe. В высоком качестве продукции, которую Юс выпускает с завидной регулярностью, можно так же быть уверенным, как и в случае с его коллегой Гиги. В этом мы могли убедиться совсем недавно, когда Белые Волки стрельнули дуплетом – прекрасные две части „In resistentia constans“, вышедшие с разницей менее чем в год. Под названием Der Böhse Wolf Штепан выпускает уже далеко не первый альбом, и открывающая его композиция „A.W.H.“ даёт понять, что будет всё так, как мы привыкли: жёстко, хлёстко, агрессивно и при этом мелодично. Слова припева „Arschloch, Wichser, Hurensohn“ (приблизительно «говнюк, мудак, сукин сын»), которые вокалист выплёвывает в микрофон злющим хриплым голосом, – это его сведение счётов с кем-то из давних знакомых. Следующая за этим мощным вступлением "Umsonst gelebt“, привычно критикующая политически-пассивных обывателей, обозначает тенденцию, которую мы будем наблюдать на протяжении всего альбома: яростный харш-вокал чередуется с «чистыми», распевными партиями. Поначалу это звучит не очень привычно, однако в заглавной „Das ist Deutschland“ и в „Jugendsünden“ становится понятно, насколько это оказалось удачной находкой. Агрессивный куплет – затем мелодичный и с ходу запоминающийся припев. Вряд ли ошибусь, если назову эти две вещи лучшими на диске. „Dritte Halbzeit“ – тема футбольного хулиганства мне, мягко говоря, оооочень не близка, но не могу не оценить блестящую музыкальную сторону этой песни. Чем-то она мне напомнила недавний мини-шедевр Волков под названием „Warum?“ с первой части „Resistentia“. В конце каждого припева звучит строчка «эта песня – не призыв к насилию» (а по факту – таки-да ). Баллада „Erhebe dich!“ очень хороша в плане правильной, заставляющей задуматься лирики, однако в музыкальном плане Юс, кажется, достиг вершины в написании баллад в другом своём проекте Wölfe Solo – „Unseren gefallenen Helden“ вряд ли кто-то в ближайшем будущем переплюнет по этой части на правой сцене вообще. „Es ist nicht mehr weit…“ начинается в лучших традициях самых ранних альбомов Running Wild, но при этом снабжена гимновым припевом, моментально застревающим в голове и вызывающим желание подпевать, размахивая пивной кружкой. А до чего осталось «не так далеко», можете догадаться: Штепан вновь начал писать тексты пусть не в духе самых ранних альбомов, но уже с меньшей оглядкой на цензуру. К сожалению, столь мощного задела автору до победного конца не хватило совсем чуть-чуть. „Freiheit für Palästina“ довольно слаба с точки зрения музыки и бестолкова по структуре. А финальное кантри „Rentner sind OK“ с дурацким текстом представляет собой явную аллюзию на недавние схожие эксперименты Гиги и Луникоффа на их последних альбомах, однако реализована с куда меньшим успехом. Но даже семи великолепных номеров из десяти с лихвой достаточно, чтобы оценить новое творение Юса по достоинству. 7,5/10

HUIS „Abandoned“ (2019) Третий альбом канадского коллектива cо смешным для русского уха названием. Точнее, не столько для уха, сколько для глаза, ибо я точно не знаю, как оно произносится: по-французски huis означает «двери дома», а по-голландски – просто «дом». Почему по-голландски? Потому что группа была образована после поездки в Нидерланды её основателей – квебекцев Паскаля ЛяПьера (клавишные) и Мишеля Жонкá (бас), у которых это путешествие оставило неизгладимые впечатления. Поэтому весь дебютный альбом „Despite Guardian Angels“ был буквально пронизан воспоминаниями о Голландии: „Beyond the Amstel“, „Lights and Bridges“ и две части „Oude Kerk“ («Старая церковь»), продолжение которой появилось теперь на новом диске. По всей видимости, именно голландскими влияниями можно объяснить и характерный для музыкантов этой страны выраженный мелодизм, положенный в основу утончённого, немного консервативного неопрога, который исполняют Huis. Здесь вполне ожидаемо присутствуют влияния Marillion с Фишем, Genesis с Гейбриэлом и неизбежное дыхание гилморовского Pink Floyd. Понятно, что в этом стиле в наше время вряд ли можно создать что-то принципиально новое; главное, насколько увлекает эта музыка слушателя – ведь грань между волшебными гармониями, проникающими в самые глубины души, и утомительной банальностью перейти в неопроге очень легко. Huis умудрились остаться «на стороне Добра»: их мелодии цепляют, немаленькая продолжительность большинства композиций (от 8 до 12 минут) не делает их скучными, а гитарные и клавишные соло создают метафизическую атмосферу, позволяющую на пару мгновений отрешиться от окружающего мира. Недаром гитаристом команды является Мишель Сен-Пер из Mystery. Отдельно необходимо отметить и безупречное мастерство вокалиста, не всегда типичное для неопроговых групп: у Сильвена Декотó глубокий, хорошо поставленный голос, который одинаково хорошо звучал бы практически в любом мелодичном стиле – от «новой волны» 80-х до прогметала. Местами присутствуют продолжительные соло на флейте, навевающие мысль не столько о Яне Андерсоне, сколько, опять же, о молодом Питере Гейбриэле. Единственный относительно «радиоформатный» номер на альбоме – „The Giant Awakens“ – это то, чего мы заждались от Клайва Нолана, реанимировавшего было Shadowland, но так и не разродившегося с этим проектом полноценным альбомом. Mystery, Red Sand, Huis – теперь есть все основания говорить о канадской неопроговой сцене, причём базирующейся на франкофонных территориях, как о явлении. Не то, чтобы открывшем уникальное звучание, но с блеском продолжающем традиции бесславно сдувшегося к рубежу «нулевых» и «десятых» британского неопрога. 8,5/10 RED SAND „Forsaken“ (2019) Ещё одни канадцы, опять неопрог, сделанный по тем же лекалам, что и у земляков из Huis, и даже названия новых альбомов у этих двух групп несколько созвучны. Хотя Red Sand – группа с гораздо более внушительным опытом, а Стефф Дорваль поёт в совсем иной манере, нежели Сильвен Декотó: отчасти это драматические приёмчики, недвусмысленно выдающие «ученика» Фиша, а порой в его шероховатом голосе слышится нечто общее с деятелями пауэр-метала вроде Тоби Заммета или Энди Дериса. В остальном о музыке этих канадцев можно сказать то же, что и об их земляках, о которых я писал выше: безгрешное мастерство инструменталистов и проникновенные сольные партии (впрочем, неумение играть в неопроге – это нонсенс), отличный мелодизм, неукоснительное следование неопроговым канонам. Однако, и всё творчество Red Sand, и конкретно данный альбом я бы назвал достаточно неровным, чего не могу сказать об упомянутой выше работе Huis. С одной стороны, есть просто блестящие, экстатические моменты и умопомрачительные сольные партии в „All The Life“ или „Hello To The Last Goodbye“, которая могла бы отлично вписаться в творчество классических Marillion. С другой стороны, в тех же самых композициях мы имеем явное перебарщивание с театральностью в подаче и излишнюю «перетянутость» концовок. Впрочем, весь альбом получился совсем не по-проговому коротким. Возможно, поэтому отдельные огрехи не успевают разрастись до масштабов откровенного проходняка, и общее впечатление от „Forsaken“ остаётся весьма благоприятным. На мой взгляд, это не самый лучший альбом в дискографии канадцев, но точно – один из трёх лучших. 7/10 ADRIAN BELEW „Pop-Sided“ (2019) Именитый американский мультиинстументалист, бывший вокалист и гитарист King Crimson Эдриан Белью выдал новый сольник, на котором в очередной раз сыграл на всех инструментах, спел, выступил в качестве продюсера и даже изобразил обложку. Альбом назван „Pop-Sided“, но пусть это никого не вводит в заблуждение. Да, мы прекрасно помним, что Эдриан в состоянии сочинять не только «саундскейпы» и экспериментальные пьесы, но и отличные песни, и были бы вправе ждать от пластинки с таким заголовком полного набора хитов, сравнимых с „Looking for a UFO“ или „Men in Helicopters“, „I See You“ или „Futurevision“. Но, как говорил Рабинович из анекдота, «не дождётесь». Здесь действительно представлены простенькие и очень короткие песенки, некоторые из которых даже имеют прилипчивые, практически пробитловские мелодии. Однако вряд ли хотя бы одну из них можно было бы представить себе в радиоротации. Максимум – в каком-нибудь саундтреке („The Times We Live In“, „Although“), да и то при условии, что они будут звучать фрагментарно и фоном. Всё дело в аранжировках. Белью совершенно определённо задался целью всячески уйти от радиоформатного звучания и сделать свою музыку максимально безумной и «неудобной». Никаких медоточивых оркестровок или партий синтезаторов, никаких танцевальных битов, зато в каждой композиции – пищащие, скрипящие, скрежещущие звуковые эффекты, от которых порой возникает впечатление, что музыкант подвергает свои инструменты изощрённым пыткам. Иногда сумасшествие берёт верх, и тогда рождаются совсем уж атональные опусы в духе Брайана Ино, как, например, „Obsession“. В общем, девизом этого альбома вполне может стать строчка одной из композиций: „I don’t belong and I never will fit in with the times we live in“. Порой вспоминается полувековой давности альбом группы, предшествовавшей созданию King Crimson – Giles, Giles and Fripp, где участники – и прежде всего, конечно, Фрипп – тоже пытались исполнять подобного рода crazy pop, сочетая почти попсовые мелодии с разного рода психоделическими эффектами, но у Белью эта смесь получилась совсем уж ядовито-взрывоопасной и… к сожалению, непонятного стратегического назначения. Очередной альбом «для себя» того же порядка, что и, например, „Mr. Musichead“. Прогрессивом тут, конечно, и не пахнет. А для поп-музыки, с одной стороны, слишком архаично, а с другой – см. выше. Примерно из той же серии, что и сомнительные минималистические экзерсисы Sparks начала нового тысячелетия. 4/10

LUCIFER’S FRIEND „Black Moon“ (2019) Третий по счёту альбом после реюниона немецких когда-то прогрессивщиков, а нынче мелодик-рокеров Lucifer’s Friend стал очередным веским подтверждением тому, насколько же правильной была идея Джона Лотона возродить коллектив, из которого он в далёких 70-х ушёл на более хлебное место в Uriah Heep. Поначалу, по слухам, альбом хотели назвать „The Last Stand“, однако не захотели создавать у поклонников ощущение, что он станет последним в истории группы, поэтому, как говорится, the show must go on. „Black Moon“ придерживается той же стилистической линии, которая была обозначена на новых композициях с „Awakening“ и с блеском продолжена на „Too Late To Hate“: энергичный и оптимистичный рок с упором на яркие мелодии. Правда, первая половина альбома получилась несколько слабее предыдущего полноформатника, на котором вообще нет «провисаний»: некоторые композиции звучат немного банально. Зато вторая часть – это настоящий праздник для всех, кому понравился „Too Late To Hate“: здесь и ураганный рок-н-ролл „Call the Captain“, от которого ноги сами пускаются в пляс, и красивейший меланхоличный блюз „Little Man“, который вполне можно сравнить с „This Time“ с предыдущего альбома, и прекрасное торжественное завершение в виде „Glory Days“. Чтобы уж совсем было весело, музыканты решили вспомнить свои старые деньки и добавили духовую секцию на заглавной композиции и виртуозную электроскрипку на „Freedom“. Ну а вокальные кондиции Лотона в его уже глубоко пенсионном возрасте наглядно демонстрируют преимущества здорового образа жизни многим его ровесникам-коллегам с давно убитыми связками. Кажется, что его голос даже становится ещё лучше с течением неумолимых лет. 7,5/10 LONELY ROBOT „Under Stars“ (2019) Соскучились по Джону Митчеллу? Нет? Вот и я думаю, что не успели: ведь за последние пару лет мы могли насладиться и его участием в записи первого сольника Фила Лэнзона, и возрождением Kino, и очередным альбомом Arena. Lonely Robot – один из самых молодых среди многочисленных проектов Митчелла, но „Under Stars“ – уже третий альбом под этой вывеской за четыре года. В состав группы входят также знаменитый и крайне востребованный ныне барабанщик Крэг Бланделл, клавишник Лиам Холмс и басист Стив Ванцис из группы Фиша. Материал, представленный на альбоме, в общем-то, достаточно типичен для Митчелла: где-то он напоминает Kino (особенно недавний второй альбом) или The Urbane. Атмосфера музыки очень хорошо соответствует названию как проекта, так и альбома: под гитарные соло из заглавной „Under Stars“ действительно в самый раз наблюдать за звёздным небом. Конечно, научно-фантастическая концепция про роботов и космические путешествия устарела лет так на 40-50, когда она была, что называется, «в тренде», но, надо думать, именно такова и была задумка. „Ancient Ascendant“ звучит очень кинематографично, словно написана для какого-то саундтрека, а в качестве одного из бонусов прилагается короткий аудиорассказ про ремонт этого самого робота в открытом космосе. Из характерного митчелловского звучания выбиваются синтипоповая танцевальная „Icarus“ и „When Gravity Fails“ с гитарными партиями в духе позднего King Crimson, привносящие в альбом изрядную долю эклектики. Не обошлось и без щепотки занудства, которую Митчелл добавляет почти во все свои опусы, – я имею в виду очень скучную медитативную „How Bright Is The Sun?“. «Холодный» синтезаторный звук в этом проекте играет весьма существенную, хотя и не постоянную роль; местами присутствуют даже элементы минимализма. В целом, я считаю, получилось хорошо, и, если вы поклонник Митчелла, то мимо этой новинки пройти никак нельзя. 7,5/10 ALAN PARSONS „The Secret“ (2019) Алан Парсонс, как и Девин Таунсенд, на сей раз решил выпустить альбом под своим именем, откинув слово „Project“. Хотя это именно что проект: для него был привлечён Голливудский оркестр и множество отдельных музыкантов, среди которых такие важные птицы, как Лу Грэмм, Винни Колайута и Стив Хаккетт. Открывашка „The Sorcerer's Apprentice“ представляет собой помпезнейшую инструментальную пьесу с массированными оркестровками, однако, к счастью, опасения, что Алан Парсонс пошёл по пути Тони Бэнкса и начал писать симфоническую музыку, не оправдались. „The Secret“ как раз апеллирует к ностальгирующей публике и преимущественно звучит в духе классического „Eye in the Sky“. Хотя попадаются и выбивающиеся из общего ряда композиции – например, шикарная салонно-джазовая „Requiem“. В остальном – Парсонс как Парсонс. Лично я не принадлежу к тем его горячим поклонникам, которые считают Алана гением. Приятная, не вызывающая раздражения музыка, как и на всех остальных его альбомах (хотя некоторые работы, например, „Stereotomy“, действительно, чудо как хороши). Музыка, способная примирить поклонников самых разных стилей – почему-то даже упёртые металлисты к Парсонсу относятся исключительно тепло. Если оркестровых аранжировок здесь явный перебор, то партии саксофона вписались исключительно удачно. Есть некоторые претензии к компоновке: например, зачем надо было ставить несколько баллад подряд? Apropos, о балладах: „Sometimes“ являет собой редкий случай действительно хорошо сделанного медляка, но приглашать Лу Грэмма было не самой лучшей идеей: его голос находится сейчас не в лучших кондициях, чем, например, у Стива Уолша или Боба Кэтли. Есть на альбоме явные отсылки к творчеству The Beatles и Pink Floyd – не знаю, насколько осознанные. Во всяком случае, слайд-гитара на „Fly to Me“ звучит очень по-пинкфлойдовски, а „Soirée Fantastique“ не позволяет прогнать мысль о лёгком плагиате с битловской „And I Love Her“. В общем, что-то неплохо, что-то так себе, но, как я уже выше написал, я не фанат, так что… 6/10

RPWL „Tales From Outer Space“ (2019) Баварцы RPWL всегда считали себя продолжателями дела Pink Floyd. Они начинали как кавер-группа английских рок-классиков, их вокалист Йоги Ланг обладает тембром, схожим с Дэвидом Гилмором, а концертная программа даже в «зрелые» годы коллектива нередко состояла из произведений Pink Floyd, причём преимущественно «долунного» периода. Однако те их работы, которые я слышал до сих пор, мне, скорее, напоминали нелюбимую мною ветвь неопрога, сформировавшуюся под влиянием Стивена Уилсона, IQ, Jadis, Frost* и тому подобной бездушной скукоты. Хотя отдельные композиции и были неплохими, да и альбомы целиком не вызывали откровенного отторжения (в отличие от тех же IQ), в общем и целом RPWL для меня только служили подтверждением тезиса о том, что на благодатной земле Германии высшее качество имеет всё, за исключением специалистов-компьютерщиков и прогрессив-рока (первые три диска Sylvan и один диск Saris отнесём к приятным недоразумениям). Однако с новым творением уроженцев Фрайзинга я всё-таки решил ознакомиться после того, как послушал кое-что, выложенное предварительно в Сеть. Всего на альбоме 7 композиций, и его общий хронометраж, на удивление, укладывается в прокрустово ложе старой виниловой пластинки. Начало особых сюрпризов не принесло. Почти 9-минутная задумчиво-меланхоличная „A New World“ выдержана в стилистике прежних работ. Йоги так и не избавился от выраженного акцента, а его клавишные во многих фрагментах не столько напоминают Рика Райта, Тони Бэнкса или Марка Келли, сколько буквально копируют Манфреда Манна. Но в целом неплохо. Вот следующий номер, „Welcome To The Freak Show“, уже грешит если не откровенной уилсоновщиной, то той ипостасью Джона Митчелла, на которой всё ещё болтаются поркупайновские репьи. Также обращает на себя внимание то, что звучание гитар стало – пусть не тяжелее, но явно плотнее по сравнению с более ранними альбомами. Где-то на уровне хардовых моментов в сольном творчестве того же Гилмора. Что касается „Light of the World“, то её украшают прекрасные гитарные соло Калле Валльнера, словно орнаментом покрывающие все 10 минут звучания композиции, однако несколько портит чрезмерная патетика в тех местах, где присутствует вокал. Ещё мне она своим «плачущим» рефреном слегка напомнила пендрэгоновскую „Two Roads“. И всё-таки именно такие композиции очень чётко дают понять в очередной раз, насколько же важна была у Pink Floyd, как группы, некая «частица эфира», которая появлялась в их музыке только при участии всех музыкантов. Эта «частица» улетучивалась на сольниках Гилмора и тем более Райта; нет её и ни у кого из последователей, включая RPWL. Ни чувство мелодии, ни отменное владение инструментами здесь не поможет. „Not Our Place To Be“ – самая слабая вещь на альбоме, напоминающая вариации на тему поздних Битлов с элементами психоделии. А вот вторая часть диска – существенно интереснее. Выложенная чуть ранее в Интернет „What I Really Need“ с характерным для классических Marillion синкопированным гитарным ритмом – неопрог высшей пробы. Можно даже сказать, что это в какой-то степени хит. „Give Birth to the Sun“ с её современным, чуть ли не клубным звучанием клавишных, оказывается гораздо глубже и проникновеннее, чем это кажется поначалу. Ну и в заключение – коротенькая, но очень приятная, спокойная баллада „Far Away From Here“. „Tales From Outer Space“ – отнюдь не шедевр, но, в принципе, очень неплохой альбом для неопрога в его нынешнем состоянии, тем более учитывая страну происхождения. Ну а в дискографии RPWL это, вполне вероятно, лучший их релиз. 7/10 JON ANDERSON „1000 Hands – Chapter One“ (2019) Последний год приносит поклонникам легенд прогрессив-рока Yes не слишком благие вести. Казалось бы, уже сложившийся проект Anderson, Rabin, Wakeman внезапно был расформирован, и до записи альбома дело не дошло. Слухи о «супер-реюнионе» почти всех живых на сегодняшний день участников всех составов группы ради, якобы, записи финального альбома больше похожи на «утку». Ну а нынешнюю формацию, выступающую под вывеской Yes, вряд ли можно воспринимать всерьёз, как и всё, где верховодит пресловутый Билл Шервуд. Но вот и блеснул лучик света в этом мутном царстве в виде нового сольного альбома вокалиста Джона Андерсона. И какого альбома! Вы только взгляните на состав участников! Тут и ныне уже покойный Крис Сквайр, и Стив Хау, и Рик Уэйкман, и Тревор Рейбин, и Алан Уайт – то есть вот вам, пусть и виртуальный, но реюнион классического Yes. А ещё – Ян Андерсон, Чик Кориа, Жан-Люк Понти, Стив Морс, Пэт Трэверс, Билли Кобхэм, Бобби Кимбалл и многие, многие другие, а также оркестры, хоры, духовые ансамбли и прочие ложкари и бандуристы. Участие Сквайра и ряда других музыкантов объясняется тем, что черновые записи делались ещё в далёком теперь 1990 году, но в связи с объединением двух (на тот момент) составов Yes для записи альбома и последовавшего тура „Union“ были отложены «в стол». Теперь же эти записи были извлечены, существенно доработаны с привлечением вышеупомянутых именитых музыкантов и предъявлены общественности как новый сольник Джона. Признаться, мне сложно определить, где использованы старые записи его голоса, а где он спел только что. Фирменный фальцет Андерсона звучит так же, как и 30, и даже 50 лет назад, и время ничуть не сказалось на даре почти 75-летнего вокалиста. Поначалу возникли опасения, что мы на новом альбоме вновь услышим скучноватые вокализы на столь любимые Андерсоном ещё с 80-х гг. карибские и прочие этнические темы, скатывающиеся порой в самолюбование и перехлёстывающий через край искрящийся мажор. Именно на эту мысль наводит начало в виде „Now“/“Ramalama“ и последующей „First Born Leaders“ – типичное позднее сольное творчество вокалиста. Однако изумительная „Activate“ с безошибочно узнаваемой флейтой однофамильца Андерсона – Яна из Jethro Tull – даёт понять, что на „1000 Hands“ нас ожидает прогрессив-рок высшей пробы и при этом отнюдь не стандартный. Каких только ассоциаций не вызывает эта композиция: от звуков вечернего тропического леса до плачущей скрипки в таверне на берегу тёмного океана или шума уставшего мегаполиса. Кажется, у Джона ещё получается писать шедевры. Уже знакомая по интернет-релизу „Make Me Happy“, выдержанная в ритме регги, поначалу показалась мне чересчур легковесной, однако в альбом она, как ни странно, вписалась неплохо – своего рода разрядка после глубокой и многоплановой „Activate“. В её записи поучаствовала прославленная духовая группа Tower of Power. И очередная порция красоты – связка „Now Variations“/“I Found Myself“ с солирующими скрипками – это уже струнный ансамбль Violectric. Дуэт скрипки и аккордеона в „Twice in a Lifetime“ вызывает в памяти уже поздние сольники Яна Андерсона, а также, как ни странно, некоторые работы… Тома Уэйтса. „WDMCF“ с участием Чика Кориа, кажется, стремится объединить весь богатый музыкальный опыт автора в самых разных стилях: в четыре минуты уложились электроника, этника, прогрессив-рок и джаз, гармонично сочетающиеся друг с другом. Всё это плавно переходит в ещё более эклектичную и многоплановую, более чем 8-минутную заглавную композицию, а заканчивается темой „Now and Again“, которая скрепляет весь альбом, проходя через него от начала до конца сквозным рефреном. Вообще, регулярные повторения разных тем и общая структура большого рондо вызывают в памяти незабвенный альбом ABWH. И пусть этот сольник не дотягивает до уровня того шедевра, всё же складывается впечатление, что Андерсон, уйдя из Yes, освободился от каких-то сковывавших его рамок, а вот его соратники по группе потеряли… да, в общем-то, потеряли всё. А может, слухи о финальном воссоединении всех со всеми имеют-таки под собой какую-то почву? 8/10 DEVIN TOWNSEND „Empath“ (2019) Я уже неоднократно называл Девина Таунсенда последним безумным гением прогрессив-рока. В его творчестве всегда хватало и гениальности, и безумия, и хорошо, когда второе не довлеет над первым. Так или иначе, нажимая на „play“, уже заранее знаешь, что очередное произведение Хеви Деви будет неординарным, но очень узнаваемым и ни на кого в этом мире не похожим. Таковым оказался и „Empath“. Нас снова приглашают прокатиться на музыкальных «американских горках», где нельзя предугадать, что тебя ждёт буквально в следующую секунду: медитативность и красота всегда готовы взорваться тяжестью и яростными эмоциями. За радиоформатным хитом в любой момент могут последовать металлические шизофренизмы или мозголомные авангардные конструкции. На этот раз в Сеть предварительно была выложена приманка в виде клипа на почти что радиохит „Spirits Will Collide“. Однако не следует думать, что весь альбом выдержан в этом же стиле: вполне возможно, что мы на сей раз имеем дело с самым сложным опусом из всего, что Таунсенд на данный момент сочинил. Новый релиз Девин выпустил под своим собственным именем, так как коллектив Devin Townsend Project был расформирован из-за «музыкальных разногласий». Тем не менее, к работе над диском было привлечено множество гостей, среди которых, например, давний соратник Стив Вай, Аннеке ван Гирсберген, Чэд Крёгер из Nickelback, а также женский хор и украинский оркестр, которым отведена одна из ведущих ролей. Общее звучание основного материала – 75 минут, это самый длинный лонгплей Девина. То, что для Таунсенда не существует ни стилистических рамок, ни стеснения в выборе музыкальных (и даже немузыкальных!) средств, известно всем его поклонникам, и это лишний раз подтверждает „Genesis“, открывающая альбом после медитативного интро (клип к которой, кстати, был тоже выложен в Сеть): уже на этих 7 минутах понамешано неимоверное количество всего – начиная от мычания коровы и писка котёнка и заканчивая синхронной игрой трёх ударников. По сути, это интродукция ко всему последующему материалу, в ходе ознакомления с которым нет-нет, да и мелькает мысль, что Девин местами перемудрил сам себя, «запутался в собственных ногах». Вполне вероятно, что 75 минут – это слишком много для такой музыки; возможно, по части эклектики, сочетания несочетаемого музыкант уже перешёл некие «красные линии». Наверно, без совсем уж безумных вещей типа „Hear Me“ можно было бы и обойтись. С другой стороны, когда свирепый звуковой хаос „Hear Me“ разрешается в псевдооперную „Why?“, и вправду возникает вопрос «почему», который продолжает висеть в воздухе на протяжении всего следующего 11-минутного номера „Borderlands“. Ещё не раз встанет вопрос о том, имеем ли мы дело с результатом одержимости, непомерных амбиций страдающего биполярным расстройством Девина, или же перед нами действительно нечто гениальное, имеющее не постижимую с ходу целостность, но мы пока не поняли, как все эти детали мозаики цепляются друг за друга. Впрочем, возможно, мы этого и не поймём, как не понял до конца и сам автор. Может быть, сложить этот паззл поможет нам финальная 23-минутная сюита „Singularity“, которую я бы сравнил с „A Plague of Lighthouse Keepers“ на современный лад: ведь в ней внимательный слушатель распознает не только основные темы, звучащие на протяжении альбома, и все те элементы, которые составляют его многоликую суть, но даже и отсылки к предыдущим работам Девина. В любом случае, этот альбом, в отличие, например, от почти идеально ложащегося на ухо „Epicloud“, требует многократного прослушивания и – что в данном случае действительно нелишне – вдумчивого анализа, а не просто эмоционального восприятия. PS: как и многие предыдущие альбомы, делюксовое издание „Empath“ дополнено вторым диском с демками, которые довольно мало имеют общего с материалом, вошедшим в финальную версию. 8/10 JIM PETERIK & WORLD STAGE „Winds Of Change“ (2019) Очередной проект знаменитого мелодиста Джима Петерика (Survivor, Pride of Lions), в котором клавишник и композитор собрал тех, с кем он когда-то прямо или косвенно сотрудничал. Громких имён здесь целая россыпь: Майк Рено (Loverboy), Деннис Де Янг (Styx), Тоби Хичкок (Pride of Lions), Ларс Сэфсунд и Роберт Сэлл (Work of Art), братья Нельсоны и даже архивные записи вокала покойного Джими Джеймисона (Survivor). Материал получился очень разношёрстным как по звучанию, так и по качеству. Некоторые композиции слушаются как типичные хиты за авторством Петерика: это можно, в первую очередь, сказать об открывашке „Winds Of Change“ с участием Дэнни Чонси и Дона Барнса из .38 Special, а также о „Home Fires“, где поёт Хичкок, и звучит эта вещь целиком в духе Pride of Lions. Очень солидные, крепкие песни. Данью собственному же прошлому Джима в Survivor является приятный ретро-номер „Sometimes You Just Want More“. Центральной композицией альбома можно назвать драматичную „The Hand I Was Dealt“ – несмотря на всю мою нелюбовь к Tyketto, чей фронтмен Дэнни Вон здесь исполняет вокальную партию, это, наверно, лучшая вещь на альбоме. Другие композиции выдержаны больше в духе тех групп, откуда пришли «почётные гости»: „Without A Bullet Being Fired“ вполне вписалась бы в репертуар Loverboy, а „Proof Of Heaven“ – Styx чистой воды. „Just For You“ – стандартная манная каша для REO Speedwagon, которую проблеял их вокалист Кевин Кронин. А вот замечательная баллада „You’re Always There“ с Джейсоном Шеффом – в лучших традициях его прежнего коллектива Chicago. Как ни странно, подкачали на этот раз участники Work Of Art, записавшие самый серый номер на альбоме – унылейший полуакустический медляк „Where Eagles Dare“ – а ведь какое могло бы получиться у них интересное сотрудничество с Петериком! Не лучше и номер с Джеймисоном – это уровень недоделанного демо, лишённого интересной мелодии. Ещё одна очень слабая вещь – прямолинейный и банальный рок-н-ролл „I Will What I Want“, где поёт Келли Киги из Night Ranger, которые и сами сейчас испытывают не самый благоприятный период в своей карьере. В общем, альбом оставил весьма противоречивые впечатления. С одной стороны, его надо слушать уже хотя бы ради великолепных „The Hand I Was Dealt“ и „Home Fires“. С другой – такой процент проходняка для альбома, на обложке которого значится имя Петерика, просто недопустим. Впрочем, после его отличной работы с Марком Шерером 5-летней давности и последнего альбома Pride of Lions кривая показателей качества его последующих релизов и так отчётливо поползла вниз. 7/10 JOHN ILLSLEY „Coming Up For Air“ (2019) Басист Dire Straits начал сольную карьеру ещё во времена существования этого коллектива. В 80-х вышло два альбома, в создании которых ему помогал сам лидер группы Марк Нопфлер. Иллсли пел, а Марк играл на гитаре. Затем, после роспуска Dire Straits, последовал длительный перерыв, связанный, помимо прочего, с лечением Джона от лейкемии посредством пересадки стволовых клеток. А по окончании лечения, уже в нынешнем десятилетии, сольная деятельность была возобновлена. Новый альбом записывался в студии Марка Нопфлера „British Groove Studios“ и, хотя маэстро на сей раз прямого участия в записи не принимал, гитарные партии, которые исполнили Скот Маккин, Робби Макинтош и сам Джон, звучат очень похоже на фирменную манеру игры старшего из братьев. Также на альбоме отметился бывший клавишник Dire Straits Гай Флетчер. Общая продолжительность – всего 32 минуты, 7 песен. Хотя некоторые источники называют „Coming Up For Air“ мини-альбомом, это соответствует стандартному хронометражу ранних работ Dire Straits. Если вышедший 30 лет назад „Glass“ с его богатыми аранжировками звучал ближе к „Brothers in Arms“, то „Coming Up For Air“ отсылает слушателя как раз к раннему периоду между дебютником DS и „Making Movies“. Здесь стало гораздо больше блюзовых моментов, а вокал Иллсли приобрёл характерную для братьев Нопфлеров хрипотцу. Работы Джона в 80-х мне мешал воспринимать его слишком слащавый, какой-то трепетный тембр, в то время как музыка тех альбомов просто настойчиво требовала, чтобы на них пел если не Марк, то хотя бы Дэвид. Ну или кто-нибудь с похожим тембром – вот бы пригласить туда Криса Ри или тогдашнего Яна Андерсона. Первый сольный альбом „Never Told a Soul“ я вообще с большим трудом могу слушать из-за того, что он за версту отдаёт… тошнотворным Борисом Гребенщиковым – как раз не в последнюю очередь из-за вокала Иллсли. Здесь же – другое дело: автор и сам не делает секрета из того, что он хотел максимально приблизиться к ностальгической стилистике начала карьеры Dire Straits. Особенно это заметно в композиции „So It Goes“ (и она – определённо лучшая на всём альбоме): в текстах даже проскакивают слова „in the Wild West End with your Wild West friend“ и „in the gallery“, как реверанс в сторону дебютника DS, а музыка отчаянно напоминает лучшие хиты с моих любимых „Making Movies“ и „Love Over Gold“. В целом же можно сказать, что Иллсли на своём новом диске вплотную подошёл к тому, чтобы быть «святее Папы Римского»: ведь ни нынешние работы Марка Нопфлера, ни творчество его брата Дэвида не слушаются настолько аутентично, если иметь в виду дайрстрейтсовскую стилистику. Шедевром, однако, „Coming Up For Air“ я назвать не могу: далеко не всё в нём безупречно, но в порядке ностальгии вполне сойдёт. 7/10

В загробной жизни имеют значение стороны света? Может, там есть ещё и метро с Макдональдсом?

Халфорд стал. Но не из-за этого. Просто надо было ещё лет 15 назад закругляться. Хотя бы после отличного „Made of Metal“.

Да там упор на неё и не делается. Один раз показали целующихся мужиков – да и это детский сад по сравнению с действительно отвратной гомо-сценой в сериале „Deutschland 1983“, который, однако, из-за одной этой сцены в целом говном не становится. Где бы ещё найти продолжение в оригинале в нормальном качестве… А лакание мочи и высирание из жопы долларовых купюр намного лучше, что ли?

Ну уж Пейджа от Планта – наверно. Один гитарист, другой вокалист. Вокал. Музыка. Подача. Если при прослушивании музыки ты думаешь только о ебле в очко, это уже твои проблемы. Впрочем, среди этой всей однообразной американской тусовки и такие тоже попадаются. Вон, отличный вокалист Марк Фри превратился в Марси и звучит теперь как мужеподобная женщина.

Смяшно. За одну только „One Year of Love“ любой автор баллад должен был бы продать душу Сатане. А уж нынешний Мановар, у которого на новом миньоне тебе так понравился утомительно унылый медляк, – и вовсе скушать собственные кожаные труселя вместе с яйцами. А ещё у квинов имеется десятка четыре крутейших хитов в неповторимых аранжировках - и думаешь, случайно их крутят по радио 24/7, а у Warrant кроме изредка (опять же, унылой) "Cherry Pie" - ничего? И совершенно верно, голос Меркьюри феноменален. У твоих любимых воррантов, вингеров, тюккето, найт рейнджеров, дейнджердейнджеров есть что-то, пусть не столь же феноменальное, но хотя бы выделяющее их среди сотен себе подобных? А у Queen есть ещё, как минимум, гитара Мэя. Не очень люблю Мэя-композитора, но его игру узнаю из тысячи с закрытыми глазами – чтобы перечислить настолько самобытных и узнаваемых гитаристов, пальцев на двух руках будет слишком много. Я не отличу Хендрикса от Клэптона или Пейджа, а уж тем более – какого-нибудь Джорджа Линча от Стива Вая, но Мэй уникален. На фильм, кстати, с дочкой ходили в кино. Просто отписаться об этом не сподобился как-то. Там, конечно, прилизано всё, много откровенных несоответствий, толкование некоторых событий поставлено с ног на голову, но это больше кино для тех, кто вообще с Queen не знаком. Хотя бы не поставили на роль Фредди и не сделали режиссёром этого пархатого говнопидора Сашу Барона Коэна, – и на этом спасибо.

Мой отец, посмотрев мои фотографии с Мальты, изрёк: «Как можно жить в этих каменных мешках под палящим солнцем без единого пятна зелени?». На что я ему ответил: «А вот они там сидят и думают: как можно жить там, где полгода зима, причём большая часть времени – сплошное говно, мрак, сопли и слякоть?».

А, вон оно что… Не знал. Это уж точно. Хотя есть серьёзное подозрение, что мы ещё не всё знаем про иных блюзовиков и джазменов. Да и про классических композиторов тоже. Вот это ты зря. Queen грандиозны, все четверо. Чудовищно переоценённые группы – это, например, Guns’n’fucking Roses или U2. (робким шёпотом – а ещё The Rolling Stones и Led Zeppelin).

Путешествие на Мальту, Сицилию и в Южную Италию Мальта – Катанья – Сиракуза – Таормина – Этна/Алькантара – Мессина – Тропеа – Неаполь – Сорренто – Капри – Потенца март 2019 Часть 11 – Неаполь (окончание) и Потенца Ну и уж чтобы совсем закончить с темой Неаполя, перед самым вылетом в Москву я ещё раз посетил те места, где гулял в первый свой приезд. Базилика San Francesco di Paola – очередные вариации на тему собора св. Петра в Риме. За три десятилетия до этого в Петербурге был создан свой «трибьют» Ватикану – Казанский собор. Можно сравнить. Интересно, что San Francesco di Paola изначально задумывалась как храм во славу Наполеона, а вот Казанский собор в итоге посвятили победе над ним. Галерея Виктора Эммануила. Наверно, это единственные не изгаженные граффитями фасады в городе, ибо упрятаны под стеклянную крышу. Я там залип надолго, галерея необыкновенно красива. Но цены в магазинах на уровне ГУМа. Всё раза в полтора дороже, чем то же самое в обычных магазинах Неаполя. Castell Nuovo. До сих пор в лесах (это единственный ракурс без них) и, видимо, будет в них находиться ещё лет 10. Да-да, мы в курсе, что бюджет на ремонт пилят только в Москве, а в Неаполе мафия лезет из кожи вон, чтобы сохранить культурное наследие. :gygy: Потенца В предпоследний день путешествия после долгих раздумий и перебирания вариантов решил посетить нетуристическую Италию. Посмотреть, как живут обычные итальянцы за пределами городов-музеев. Ради этого по разным причинам отказался от поездки на Везувий, плавания на остров Иския и посещения заповедника Чиленто. Потенца – столица провинции Базиликата. Если представить себе итальянский сапог (а это, как известно, женская модель), то Калабрия – его носок, Апулия – высокий каблук, а Базиликата – как раз то, что между ними. Подошва, подъём. Очень интересен путь на поезде от Неаполя до Потенцы. Если Кампания – это промышленная и густонаселённая провинция, то в Базиликате начинается глушь, иногда прямо-таки с девственной природой. Идиллические леса, горы и бурные реки, среди которых лишь изредка мелькают сады и пастбища. Потенца от вокзала карабкается круто в гору. Там впервые в жизни увидел такое городское ноу-хау, как платный эскалатор. Лифты платные видел, но чтоб эскалатор! Билет на него за полтора евро даже сохранил на память. Но и после эскалатора пришлось немало пройти наверх по многочисленным лестницам. Зато автобус меня обратно подвёз совершенно бесплатно – спасибо добродушному водителю. В основном Потенца – современный город со скучными многоэтажками, но есть здесь и небольшой исторический центр. Часть церквей построена в раннем Средневековье. Приветливые лица базиликатской столицы. В Потенце почти нет туристов, мало «друзей человека» из Третьего мира, и практически никто не владеет иностранными языками. Никогда не бывал в Пензе или Чебоксарах, но предполагаю, что именно с этими российскими городами уместно сравнить Потенцу. Люди здесь просто живут. Атмосфера неторопливая и довольно расслабленная. При этом на удивление много молодёжи. Когда я приехал, город был буквально запружен молодыми людьми не то старшего школьного, не то младшего студенческого возраста – итальянцев не поймёшь, они рано созревают. Впрочем, университета в Потенце нет, там только парочка каких-то колледжей. Вот на что обратил внимание: почему-то и на Сицилии, и в Южной Италии процентов 70 девушек носят очки. И магазины оптики на каждом углу. Интересно: это дань моде, или пропитанный вулканической пылью воздух так влияет на зрение? Типичный дворик. Неоднократно приходилось слышать о том, что в этих частях Италии царит полная нищета. Я бы так не сказал. Потенца выглядит более ухоженно, чем Неаполь (хотя мазня на стенах и засранные лестницы присутствуют), а такой откровенной разрухи, как в Катанье, я тоже не узрел. Обычный город. Ну а окраины – это ж прям один-в-один окрестности платформы «Чертаново», рядом с магазинами Metro и OBI. Здесь тоже какие-то мегамоллы за ж/д полотном и автовокзалом. На этом отчёт о путешествии заканчиваю.

Но всё-таки в фильме некоторые важные эпизоды остались за кадром или представлены не так, как было на самом деле. Например, показано, что Сикс вообще порвал со своей матерью. Но, насколько мне помнится, незадолго до её смерти контакты были восстановлены, и именно её кончине посвящена песня „Nona“. А с Доком МакГи отношения были разорваны не в 1985 году, как там показано, а после ММФМ. Об этом говорится и в книге, и вообще, мне кажется, этот эпизод был настолько драматичным и существенным, что его имело бы смысл упомянуть. Кораби представлен как совсем случайный пассажир. Типа того, что публика концерты с ним бойкотировала, и его тут же выгнали, – но это было не так. Для отношений Томми с Памелой Андерсон вообще не нашлось места.

Тоже глянул "The Dirt". Согласен, действительно неплохо получилось. Верность первоисточнику более-менее сохранена, учитывая его немаленький объём и ограниченный часом и 40 минутами основной хронометраж. Актёры в образы попали точно, хотя лица, по-моему, не похожи на оригинал ни у кого. Если сравнивать с недавно нашумевшей "Богемской рапсодией", сделанной по похожим лекалам, то, конечно, тут всё намного жёстче, без купюр, припудриваний и лишнего пафоса - ну, самую малость, в конце. Без историко-биографических ляпов не обошлось - ну какая пластинка KISS в 1973 году? Откуда у них чуть ли не на первых же концертах дорогущие инструменты, пиротехника и прочие прибамбасы? Почему на самых ранних выступлениях исполняется материал со второго альбома? Если заглянуть в книгу, то можно обнаружить, что в первые годы все они были нищими полупанками, питавшимися объедками и общавшимися с себе подобными - Circle Jerks, The Vibrators и иже с ними, а тут получается, что пришёл Док МакГи, и тут же грузовик с золотыми пряниками перевернулся. В остальном - вполне убедительно. Тем более, памятуя про стабильный обсёр Нетфликса в полном метре, прям как у их российских коллег. Надо, пожалуй, переслушать Mötley Crüe!

Новый Мановар - это очередное пробитое днище. Предыдущий опус на этом фоне - почти шедевр. Хотя "Gods of War" был похожим говнищем. Ладно, интро опустим в виду его несущественности. "Blood and Steel" заронила робкую надежду, что не всё так плохо: пусть голос Адамса еле-еле удаётся вытянуть даже в студии, но у Де Майо вроде как ещё получается писать запоминающиеся припевы. С поправкой на возраст и нынешнее состояние группы - терпимо. Но дальше - тихий ужас. Вернее, громкий. Зануднейшая баллада с псевдоволынками (которые я в натуральном виде, кстати, терпеть не могу) на 6 минут. Но это ещё не всё, потому что потом идёт "You Shall Die Before I Die". Что это вообще? Готика в её худшем изводе? Поющая рептилия? Последняя битва, видать, получится совершенно бесславной.